Flight Assembled Architecture

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Gramazio & Kohler y Raffaello D’Andrea, han lanzado un proyecto pionero basado en el entrenamiento dinámico de las funciones de un robot aplicadas en arquitectura. Con este trabajo estos profesionales sin duda caben dentro de la categoría de innovación en cuanto al uso de herramientas digitales ya sea en términos de hardware, software y construcción. Raffaello D’Andrea es un ingeniero quien ha trabajado en base al estudio de algoritmos y el desarrollo de sistemas autónomos innovadores. Junto a los arquitectos Gramazio & Kohler han lanzado este proyecto llamado ‘Flight Assembled Architecture’, que es básicamente una investigación en el potencial de herramientas revolucionarias como los robots en arquitectura. Esta instalación es la primera que utiliza un robot volador para ser construída a través de un nuevo paradigma de diseño y manufactura, a través de un proceso físico en base a un entrenamiento automatizado y dinámico. Este proyecto construye con una serie de agentes móviles que trabajan de manera simultanea. Estos robots, considerados como herramientas de producción adaptativa , están programados para interactuar, capturar, transportar y armar los módulos que configuran la estructura. La instalación se encuentra en el FRAC Center en Orléans, quien se dedica a juntar una colección devota de la arquitectura experimental.

Art Basel Miami, sin preocupaciones

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(Artículo publicado en El Cultural de El Mundo, el día 09/12/2011 por David G. Torres).

La crisis no ha dejado huella en Art Basel Miami. Allí el color, el optimismo y el dinero han podido frente a los malos augurios. A costa, eso sí, del sacrificio de las ideas. Las galerías que todavía creen que el arte tiene que ver con el pensamiento, allí se han quedado vacías. En Miami las preocupaciones no existen, ni siquiera en el arte.

5° en el aeropuerto de París, 25° al aterrizar en el de Miami. Es la distancia real entre ambos lugares. Una distancia marcada por los abrigos grises en Europa y las sonrisas inmediatas que se desatan en los viajeros al librarse de ellos. La distancia entre Sarkozy y, no Obama, no América, sí Latinoamérica. O, una determinada Latinoamérica. Esa Latinoamérica marcada por el anticastrismo y las carteras llenas de dólares que encuentran en el clima caribeño y la sonrisa fija de Miami el paraíso anhelado. La simpatía es uno de los rasgos de carácter más valorados en EE.UU. Y Miami, la feria de Miami, desprende optimismo: el rosa de la tipografía en la marca Miami Art Basel, los colores pastel, las pieles bronceadas, la silicona y las sonrisas. La simpatía, también, de un taxista de origen cubano: "el año pasado notamos la recesión, este año no". Obsérvese la expresión, se notó, no se sufrió ni se padeció. Los taxistas están contentos, hay visitantes, la ciudad se gastará 3.000 millones de dólares en un túnel bajo la bahía, mil para un casino... ¿Crisis? ¿Quién dijo, crisis? Aquí no está. Adiós Sarkozy. Bienvenidos a Miami.

Bienvenidos al optimismo, a los colores, al dinero y adiós a las preocupaciones.Las preocupaciones no son buenas, no generan ingresos, esto es Miami Art Basel. Pero ¿qué significa en la práctica (este es un país muy pragmático) para la feria el adiós a las preocupaciones? Que en este paraíso del color, las galerías que apuestan por el gris, el blanco y negro o el blanco a secas (como la sauna de Elmgreen & Dragset en Helga de Alvear), las que creían que esto del arte tenía que ver con las ideas, con cierta rebeldía o con pensar están vacías. Son la cuota de intelectualidad que Miami Art Basel debe soportar para no olvidar que es hija de la feria más antigua y que tiene un origen europeo... Y para que no se parezca a Casa Decor.

La galería madrileña Maisterbalbuena ha apostado por el blanco y negro. Con Karmelo Bermejo, Regina de Miguel y una sarcástica obra de María Loboda que describe en palabras la pieza de un coleccionista privado, tiene uno de los mejores stands. Medido y bien expuesto, pero esto no es un centro de arte es una feria en Miami. Cerca, la otra galería "joven" española, Nogueras Blanchard, también apuesta por la densidad conceptual: Fran Meana, Wilfredo Prieto y, ahí está el truco, Michael Lin con unos cuadros azules con flores. Ideas pero con trampa. Parecen cuadros bonitos como tantos otros que inundan la feria. El vídeo condenado al ostracismo en unos cubículos en los que se hace difícil seguir la programación (entre ellos Jordi Colomer o Cristina Lucas).

Pintura y de colores.

Pintura, mucha pintura y con muchos colores, que parece arrinconar los cuadros de Neo Rauch, Armleder o Luc Tuymans, y grandes maestros del siglo XX. El dinero regresa a los valores seguros: Wilfredo Lam, Yves Klein y Miró en la galería Gmurzynska; Picasso, Dalí o Kandinsky en Landau; Giacometti en Richard Gray; algunas joyas como Albers en Adler & Conkright, un Opalka en la galería Berinson y una sobredosis de Warhol en L&M Arts de Los Ángeles. Entre los potentes focos con una luminosidad no vista en otras ferias que destacan los colores de los stands también se pueden rescatar propuestas más sofisticadas como unas fotografías de Schwarzkogler en la galería Krinzinguer, Marcel Dzama en Zwirner o la compleja instalación de dibujos que documentan una microhistoria de Jorge Satorre en Labor dentro de la sección Nova. El dinero no deja espacio para la discusión, cuestionarse el sistema, preguntarse por la necesidad de la obra única o discutir sobre nuevas formas de distribución. Aquí estamos vendidos. Arte sin preocupaciones, optimista, para decorar palacios rosas en Miami. Un mundo muy pequeño pero poderoso, del que la reproducción del planeta tierra en una pequeña bola de plastilina de Mark Wallinger en la galería Gebauer y, más pequeña aún, en Krinzinguer, parece un comentario sarcástico.

"Diseño gráfico español 1939-1975" en el Museo de Artes Decorativas

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El Ministerio de Cultura presenta un recorrido por el corpus de trabajo más significativo de los pioneros del diseño gráfico español. En la muestra se puede apreciar, de forma atractiva y didáctica, cómo el diseño gráfico ha trascendido los ámbitos profesionales comunicativos para convertirse en una pequeña historia de la transformación de la España contemporánea.

Entre los creadores cuyos diseños pueden verse en la exposición destacan nombres como Alexandre Cirici Pellicer, Manolo Prieto, Ricard Giralt Miracle, Josep Renau, Daniel Gil, Joan Brossa o Josep Artigas, con cerca de 300 trabajos que recorren los ámbitos de la cultura, el contexto, lo institucional, el comercio y la cronología. Hasta la fecha no se habían mostrado obras e información suficiente para conocer las trayectorias y la dura coyuntura histórica en la que estos creadores trabajaron. Esta exposición cubre así una carencia documental, ubicando por vez primera todos estos datos dentro del contexto internacional y haciéndonos ver lo que los pioneros del diseño gráfico español supusieron para las generaciones posteriores de españoles: la apertura de una puerta a una nueva manera de relacionarse con la comunicación visual y, al mismo tiempo, la posibilidad de disfrutar, a través de sus diseños, de una estética atractiva.

La exposición incluye el diseño editorial (colecciones de libros, periódicos, revistas, cabeceras de diarios), el diseño tipográfico, logos y marcas de empresa, carteles de todo tipo, material discográfico, gráfica de comercios, material gráfico de productos farmacéuticos, felicitaciones navideñas, vallas publicitarias, sellos de correos, calendarios, tarjetas y papel de cartas de autopromoción, displays, collages, esculturas y recortables...

Pedro Cabrita Reis en Ivorypress hasta el 21-01-2012

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Tras un largo periodo sin tener una exposición individual en España, Los Rojos es la primera muestra del artista luso tras la gran retrospectiva Pedro Cabrita Reis. One after another, a few silent steps, inaugurada en julio de 2011 en el Museu Colecção Berardo de Lisboa.

El trabajo de Cabrita Reis refleja un profundo interés por la naturaleza, el paisaje, la arquitectura y el color. Cabrita tiene su propia escala y dimensión a través de la cual mide el mundo y se enfrenta a lo que le rodea. El autor parte de su propio cuerpo para imponer las medidas de lo humano, él es el canon y el estilo.

Las piezas que forman parte de esta exposición –que se podrán visitar hasta el 21 de enero de 2012–, muestran también su predilección por todo tipo de materiales: de construcción, industriales, sillas y otro tipo de mobiliario. Cabrita recopila estos objetos y, a partir de ellos, interpreta el mundo que le rodea.

Pedro Cabrita Reis es una referencia central dentro de la escena artística portuguesa. Tal y como afirmó João Pinharanda con motivo de su última gran exposición en Lisboa, el artista “transforma la memoria colectiva en afirmación individual: es un acto de voluntad y placer, un modelo de conocimiento e intervención en el mundo”.

La obra de Cabrita forma parte de colecciones internacionales como la de la Tate de Londres, la Fundación Calouste Gulbenkian de Lisboa, el Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig de Viena, la Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea de Turín, el Hamburger Kunsthalle, el Kunstmuseum Winterthur, el Maxxi de Roma o el Magasin 3 de Estocolmo, entre otras.

El Museo Reina Sofía abrirá las puertas de la tercera etapa de su colección permanente

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El Museo Reina Sofía de Madrid abrirá al público el próximo miércoles, 30 de noviembre, la parte correspondiente al tercer tramo de su colección permanente, la que abarca el período que va de 1962 a 1982. La colección del Museo se articula en torno a cuatro ámbitos en función de los momentos clave de la historia del arte del siglo XX y XXI, tanto español como internacional.

De ellos, dos ya han sido abiertos al público: en primer lugar, el que se exhibe en la segunda planta del edificio Sabatini, que se extiende a lo largo de las décadas de los años veinte y treinta, y el segundo tramo, que fue presentado hace un año bajo el título ¿La Guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido (1945-1968), que se corresponde con los años cuarenta, cincuenta y sesenta y que se puede visitar en la cuarta planta.

De la revuelta a la postmodernidad

Ahora, en unos 2.200 metros cuadrados, ocupando los dos espacios expositivos del edificio Nouvel, se presenta este tercer ámbito de la Colección, titulado De la revuelta a la postmodernidad (1962-1982), que acoge unas 300 obras, entre pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, vídeos, fotografías y material documental. Una parte sustancial de estos trabajos es novedosa ya que se incluyen recientes adquisiciones, donaciones y depósitos aún no vistos. El Museo ha hecho, en este sentido, un gran esfuerzo para llenar importantes huecos existentes en este tramo de la colección, incorporando a la misma nombres imprescindibles para su articulación.

Las salas dedicadas a este período acogerán obras de autores como Bruce Nauman, Nancy Spero, Sol LeWitt, Dan Flavin, Muntadas, Hélio Oiticica, Luis Gordillo, Lygia Clark, Gerhard Richter, Pistoletto, Carl Andre, Hans Haacke, Eugènia Balcells, Eulalia Grau, Mario Merz, Marcel Broodthaers, Cindy Sherman, Donald Judd, Guillermo Pérez Villalta, Soledad Sevilla, Antoni Tàpies, Carlos Alcolea, Carlos León, Esther Ferrer, Robert Smitson, Concha Jerez, George Brecht, Alberto Corazón, Colita y Nacho Criado, entre otros.

fuente: http://www.hoyesarte.com/museos-de-arte/al-dia/10757-el-reina-sofia-presenta-la-tercera-parte-de-su-coleccion-permanente.html

El Prado, 200 años sin Villanueva, gratis este sábado 19 de noviembre.

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Por Raúl Rodríguez García.

El arquitecto Juan de Villanueva lo proyectó hace ahora 192 años (en 1875) por encargo de Don José Moñino y Redondo, Conde de Floridablanca, político y gran abogado de personajes ilustres tales como Don Diego de Rojas (obispo y gobernador del Consejo de Castilla, imputado en el caso del Motín de Esquilache), o Don Fernando de Silva y Álvarez de Toledo, Duque de Alba a la sazón. (continua en más información)

Expo: Wiel Arets STILLS

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STILLS Wiel Arets Architects se fundó en 1983 y a lo largo de estos años se ha convertido en un nombre reconocido internacionalmente. La empresa tiene sus raíces en la región de Limburgo, en los Países Bajos y cuenta con oficinas en Ámsterdam, Maastricht y Zúrich. STILLS muestra el desarrollo de su obra, se sumerge en el fondo teórico que documenta la obra, y profundiza en las fuentes de inspiración y fascinación de Wiel Arets; desde sus inicios, hasta sus enseñanzas y proyectos actuales. En seis cortometrajes documentales, el arquitecto guía al visitante a través de las ciudades de Tokio, Zúrich, Berlín y Milán, exponiendo su visión de futuro sobre la arquitectura y la construcción urbana.

La exposición viene acompañada por el libro STILLS, publicado por la editorial 010 Publishers, de Róterdam, que se centra en la comprensión teórica de la obra de Wiel Arets Architects.

Información de la exposición Wiel Arets Architects: STILLS

Del 10.11.2011 al 22.12.2011

Abierta: de lunes a viernes

Horario: 9:00-20:30

Fundación Arquitectura COAM

C/ Piamonte nº 23, 28009 Madrid